Suite de notre série consacrée aux défis de la diversité culturelle dans #133 : les propos de Denis Mpunga, auteur et metteur en scène.

Com­ment définiriez-vous votre tra­vail de créa­tion artis­tique, envis­agé à l’aune de la « diver­sité cul­turelle » ? Et que revêt selon vous ce terme devenu d’usage courant au sein des insti­tu­tions cul­turelles ?

La diver­sité cul­turelle n’est pas quelque chose qui se trou­ve en dehors de moi, mais quelque chose que je vis depuis ma ten­dre enfance, ayant des par­ents qui ne par­laient pas la même langue. Si la diver­sité fait par­tie de mon « géno­type » cul­turel, mon « phéno­type » est la recherche d’une cer­taine uni­ver­sal­ité dans le lan­gage artis­tique.

L’universalité n’est pas un fait, c’est une idéolo­gie, alors que la diver­sité est un fait.

Nous sommes tous dif­férents et ma recherche artis­tique repose sur ce ques­tion­nement : que faisons-nous de nos dif­férences ? Faut-il en faire quelque chose et pourquoi ?

Ce ques­tion­nement m’a ouvert les yeux sur une cer­taine uni­ver­sal­ité des évène­ments con­tem­po­rains avec des marges et des représen­ta­tions qui peu­vent vari­er d’une région du monde à l’autre mais l’amour, la sol­i­dar­ité, l’exclusion, la faim, la pau­vreté, la vio­lence, l’abandon, la peur, la joie… sont d’une cer­taine façon uni­versels et c’est leur con­fronta­tion dans un espace théâ­tral qui peut créer une ten­ta­tive d’un lan­gage com­mun au-delà des cul­tures.

Cela nous demande sans cesse une ouver­ture à la cul­ture de l’autre, ten­ter de com­pren­dre le « logi­ciel » qui con­di­tionne sa vision du monde.

Si je ne sais pas qu’un Japon­ais et un Chi­nois peu­vent se com­pren­dre par l’écriture logographique, mais pas par la parole, car s’ils utilisent bien les mêmes signes pour écrire, ils ne les prononce pas pareille­ment. En terme d’universalité, que puis-je partager avec eux, si je ne suis pas au courant de ce trait cul­turel ?

Issu de l’immigration et du voy­age, je suis con­va­in­cu du fait que le monde sur­vivra par la diver­sité et non par le repli iden­ti­taire car­ac­téris­tique de notre époque. Quand on regarde notre monde depuis les siè­cles de lumières, ce sont ces grands voyageurs qui ont fait décou­vrir la richesse cul­turelle des peu­ples du monde et celle-ci con­court – du moins le devrait – au bien-être de tous.

Pour moi, la meilleure chose que l’on puisse apporter aux autres, ce n’est pas de leur don­ner notre richesse, mais de leur révéler la leur. Je tente à cha­cun de mes spec­ta­cles de trans­met­tre hum­ble­ment ce principe.

Si on regarde l’origine de la vie à par­tir de l’inerte, c’est comme une bac­térie qui était là immo­bile pour tou­jours et qui décide de devenir mobile, pour décou­vrir le monde, quitte à en per­dre la vie. De l’immortalité, la bac­térie a préféré devenir mortelle. C’est de cet organ­isme uni­cel­lu­laire que nous descen­dons tous.

Nous avons voulu jouer avec le feu, mais comme dirait le met­teur en scène québe­cois Robert Lep­age, « …Il est vrai qu’à trop jouer avec le feu, l’homme prend le risque de se brûler, mais il prend égale­ment la chance d’éblouir et d’illuminer…»

Avez-vous le sen­ti­ment de subir, à titre per­son­nel, une iné­gal­ité de traite­ment en tant qu’artiste issu de l’immigration ; ou d’être vic­time d’une forme de stig­ma­ti­sa­tion, voire de ségré­ga­tion cul­turelle qui ne s’avoue pas en tant que telle ?

Je n’ai jamais ressen­ti ni une iné­gal­ité de traite­ment en tant qu’artiste issu de l’immigration, ni une forme de stig­ma­ti­sa­tion, pour la sim­ple rai­son que je n’ai jamais abor­dé ce méti­er en tant qu’Africain, mais avant tout en tant qu’artiste. Et en tant qu’artiste, mon rôle est de faire reculer les fron­tières men­tales. Les Anglo- sax­ons ont deux mots pour par­ler des fron­tières : « bor­der » et « fron­tier ».

« Fron­tier » est une lim­ite physique, comme un mur ou une bar­rière ; « bor­der » est une fron­tière sou­ple qui est plus proche des lim­ites à explor­er et qu’on peut donc redessin­er, ou reculer.

Quand cette dernière fron­tière, « bor­der », vient à dis­paraître, on passe à un autre état de con­science. C’est cet état qui a fait dire par exem­ple à mon ex-femme après quinze de vie com­mune : « c’est étrange, je ne me rend plus compte que tu es noir »… et moi, je ne me rendais plus compte qu’elle était blanche… quand ces fron­tières men­tales dis­parais­sent, il n’y a plus que des êtres humains qui ten­tent ce qu’ils peu­vent pour trou­ver leur place au monde… Je ne me regarde pas tous les matins dans ma glace pour me rap­pel­er que je suis noir. J’en suis même venu à oubli­er que je le suis…

C’est prob­a­ble­ment pour cette rai­son que je ne souf­fre pas des iné­gal­ités que me rela­tent par­fois des artistes noirs à Paris ou à Brux­elles. Quand une struc­ture refuse mon pro­jet, elle ne me dit pas non parce que je suis noir, mais elle dit non au pro­jet que je pro­pose. Il ne s’agit donc pas d’une atteinte à mon intégrité, mais d’un refus du pro­jet que je pro­pose. Et si la struc­ture a dit incon­sciem­ment non à mon pro­jet parce je suis noir, c’est elle qui a un prob­lème, pas moi…

Cepen­dant les dif­fi­cultés que j’ai pu iden­ti­fi­er et qui sont liées à mes orig­ines sont plus sub­tiles.

La Bel­gique est un pays où cohab­itent 3 peu­ples, 3 cul­tures (fran­coph­o­ne, fla­mande et ger­manophone). Quand je pro­pose un spec­ta­cle dans une aire qui sort de celle où je suis sen­sé m’exprimer, les réac­tions sont sou­vent de l’ordre de : « on trou­ve le texte intéres­sant, mais ce serait mieux que tel ou tel met­teur en scène de notre com­mu­nauté le monte ». Tout se passe comme s’il n’y avait pas une con­fi­ance dans les esthé­tiques et lan­gage artis­tique qui découlent de mon tra­vail. Ils font plus con­fi­ance à ce qu’ils con­nais­sent qu’à ce qu’ils ne con­nais­sent pas.

L’autre fait impor­tant et réc­curent est celui où sys­té­ma­tique­ment on nous sig­nale que l’on a pas assez ou trop d’accent africain.

Pour désar­morcer ce genre de pro­pos, j’ai un jour par provo­ca­tion répon­du à un chef de cast­ing qui me demandait : « tu con­nais un acteur noir qui par­le avec un accent africain ? », « non, mais je cherche pour ma future mise en scène un acteur blanc qui par­le avec un accent européen ».

Je pense que ce jour là, il s’est ren­du compte non seule­ment de l’incongruité de sa ques­tion, mais aus­si de la vio­lence que rêvet cette ques­tion.

Plus générale­ment, les artistes issus de l’immigration souf­frent-ils d’un déficit de vis­i­bil­ité sur les scènes européennes ? Ou au con­traire d’une forme de pro­mo­tion par­ti­sane et mil­i­tante ?

Oui indé­ni­able­ment, quand on regarde le nom­bre d’acteurs et actri­ces noirs qui sont sur le marché et le peu de vis­i­bil­ité qu’ils ont sur les scènes et les médias européens, le déficit est man­i­feste. Il y a aus­si effec­tive­ment, une forme de pro­mo­tion par­ti­sane, large­ment incon­sciente je pense, qui con­siste à engager des acteurs noirs qui vien­nent du con­ti­nent africain, ils sont encore spon­tanés, peu­vent par­ler avec accent sans rechign­er, con­traire­ment aux acteurs présents ici en Europe, qui ne sont plus tout à fait noirs et qui dis­cu­tent de tout et dont le cli­mat froid a enlevé toute spon­tanéité… Il faut bien recon­naître qu’il y a une forme d’exotisme chez cer­tains met­teurs en scènes européens.

Con­sid­érez-vous que les théâtres man­quent à leur mis­sion de ser­vice pub­lic, pour la pro­mo­tion de la diver­sité cul­turelle au sein de nos sociétés mul­ti­cul­turelles ?

Oui glob­ale­ment, même si cela ne con­cerne pas tous les théâtres, cer­tains ont instru­men­tal­isé la cause. C’est-à-dire : je m’occupe de la diver­sité cul­turelle pour me créer des nou­veaux marchés et des nou­veaux publics. Au bout du compte tout cela n’aura pas d’impact sur la vis­i­bil­ité des artistes de la diver­sité.

La seule vraie ques­tion que les directeurs des théâtres doivent se pos­er, c’est : « la pro­gram­ma­tion pro­posée aux publics est-elle là pour que plus tard, ils devi­en­nent des grands con­som­ma­teurs de théâtre, où la pro­gram­ma­tion est là car elle est indis­pens­able à leur développe­ment et épanouisse­ment dans nos sociétés ? ».

À la décharge des directeurs de théâtre, les pou­voirs sub­sid­i­ants leur deman­dent surtout des résul­tats en terme de rentabil­ité. L’aspect qual­i­tatif est sou­vent ignoré ou dif­fi­cile­ment pal­pa­ble. Dans leur énon­cé de poli­tique générale, les pou­voirs sub­sid­i­ants vont par­ler de l’importance du théâtre pour l’épanouissement des peu­ples, mais en défini­tive, seuls les chiffres comptent.

Cer­tains théâtres se deman­dent pourquoi les Africains ne vont pas beau­coup au théâtre et sou­vent je refor­mule la ques­tion, pourquoi les Africains iraient-ils au théâtre ?

Cha­cun doit tra­vailler sur cette ques­tion, les Africains et les directeurs de théâtres. Si le thème touche les Africains, ils vont au théâtre, mais si la pro­gram­ma­tion est à mille lieues de leurs préoc­cu­pa­tions, ils ne fer­ont pas l’effort d’aller au théâtre.

L’impact d’un Omar Sy qui reçoit un césar est dix-mille fois plus puis­sant que toutes les for­ma­tions ou ate­liers que l’on fait autour de la diver­sité. Car la jeunesse issue de la diver­sité a besoin de héros pour se con­stru­ire. Il ne faut pas aban­don­ner pour autant le tra­vail de réseau­tage effec­tué par les théâtres, mais l’un doit pou­voir s’appuyer sur l’autre.

Pensez-vous que l’audiovisuel, ou d’autres secteurs du spec­ta­cle vivant tels que la danse ou la musique par exem­ple, rem­plis­sent davan­tage leur mis­sion de pro­mo­tion de la diver­sité que le théâtre ?

Non ! Même si on a l’impression que ces secteurs rem­plis­sent mieux leur mis­sion, cela n’est qu’une apparence. Le théâtre requiert une maîtrise de la langue, c’est un lan­gage artis­tique exigeant pour le pub­lic. Même si la danse, la musique, l’audiovisuel sem­blent plus acces­si­bles, pour l’artiste de la diver­sité, il doit se con­former à ce que l’on attend de lui pour pou­voir faire sa place. Il faut s’inscrire dans un moule pré­fab­riqué pour cor­re­spon­dre aux critères de la pro­gram­ma­tion. Par exem­ple quand un choré­graphe issu de la diver­sité présente de la danse con­tem­po­raine, est-ce que cette choré­gra­phie est une évo­lu­tion de la danse tra­di­tion­nelle africaine, ou s’agit-il d’une influ­ence de la danse con­tem­po­raine européenne, qui a sa pro­pre his­toire. Pour le dire autrement doit-il pour sat­is­faire les Blancs faire une choré­gra­phie qu’ils peu­vent appréci­er avec un vocab­u­laire qu’ils con­nais­sent, ou est-ce qu’il se donne le droit de les désta­bilis­er, de les amen­er où ils ne l’attendent pas. Ce que je dis pour la danse vaut aus­si pour la musique et l’audiovisuel.

La recette éprou­vée, avec un relatif suc­cès, par cer­tains théâtres privés issus du show busi­ness et de l’industrie du diver­tisse­ment, à la façon du Com­e­dy Club ini­tié par Jamel Deb­bouze, est-elle trans­pos­able dans le cadre du théâtre d’art ?

Je ne pense pas. Si cela peut marcher pour le théâtre d’humour, les onemanshow, stand-up… pour le théâtre plus « clas­sique / tra­di­tion­nel », cela me sem­ble dif­fi­cile. Ce théâtre-ci n’est pas unique­ment de la per­for­mance d’acteurs, mais est un col­lec­tif qui tente de créer avec le pub­lic un lien frag­ile qui est tou­jours à recon­stru­ire. Ce n’est pas un théâtre qui se con­stru­it sur des cer­ti­tudes, mais sur des doutes…

Et puis, il y a ce trait cul­turel belge dont il faut tenir compte : il n’y a pas de « star sys­tem » comme on peut avoir en France ou aux USA. Les frères Dar­d­enne boivent leur café à Liège dans un endroit où tout le monde peut aller et per­son­ne ne les regarde. Deux césars à Cannes ? Et alors… Ils sont comme nous. C’est ça la Bel­gique.

Ce que Jamel Deb­bouze a fait avec le Com­e­dy Club, il peut se le per­me­t­tre juste­ment parce que c’est une star.

Ici, je peux me tromper, ça ne marchera pas. D’ailleurs nos acteurs belges, s’ils veu­lent devenir des stars, ils vont à Paris, ils ne restent pas ici. Per­son­nelle­ment j’apprécie cette atti­tude qui fait par­tie de la « bel­gi­tude ».

Peut-on dire que le spec­ta­cle vivant en Bel­gique est encore pris­on­nier d’un « sys­tème d’emplois » d’autant plus effi­cace qu’il ne se déclare pas comme tel, voire qu’il n’a pas con­science de lui-même ?

Ce que je peux dire d’emblée est que le théâtre belge fla­mand est pris­on­nier de la forme et le théâtre belge fran­coph­o­ne, pris­on­nier de la langue. C’est aus­si un trait cul­turel impor­tant de la Bel­gique et celui-ci est à l’origine de pas mal des malen­ten­dus entre les deux com­mu­nautés et les artistes issus de la diver­sité pris en otage entre ces deux plaques tec­toniques qui frot­tent l’une con­tre l’autre, mais qui pour­tant sont com­plé­men­taires et enrichissantes, si la poli­tique ne s’en mêlait pas. Que le spec­ta­cle vivant belge soit pris­on­nier d’un « sys­tème d’emploi » est évi­dent, mais à sa décharge la poli­tique n’a jamais statué sur une posi­tion claire du méti­er d’artiste. Si, en France, l’intermittent du spec­ta­cle est un statut à part entière, même s’il y a beau­coup de choses à amélior­er, en Bel­gique l’artiste est assim­ilé à un employé et à un indépen­dant, du coup il est à la fois un faux salarié et un faux indépen­dant.

Je viens d’être con­vo­qué par l’inspection social de l’Onem (équiv­a­lent de Pôle Emploi en France). On me reprochait d’avoir touché des droits d’auteurs en 2014 et 2015 (qui sont des revenus d’indépendant) et de ne pas les avoir déclaré à mon syn­di­cat. Je leur ait sor­ti deux arti­cles de lois con­tra­dic­toires et là, c’est sur­réal­iste ! Le pre­mier dit, en gros : « … La per­cep­tion de revenus liés à une activ­ité artis­tique peut avoir un impact sur les allo­ca­tions de chô­mage. En effet, si le reve­nunetimpos­able annuel lié à cette activ­ité dépasse 4.109,04 €, les allo­ca­tions de chô­mage sont revues à la baisse. Au- delà de ce mon­tant net, l’allocation jour­nal­ière est dimin­uée… »

Le deux­ième arti­cle le con­tre-dit : « Tous les revenus liés à la ces­sion et à la con­ces­sion de droits d’auteur sont des revenus mobiliers soumis à une fis­cal­ité par­ti­c­ulière de 15%. Il devrait en résul­ter que ces revenus ne devraient pas avoir d’im­pact sur le cal­cul des allo­ca­tions de chô­mage. Une par­tic­u­lar­ité que l’administration devrait pren­dre en compte pour que la loi du 16 juil­let 2008 rel­a­tive à la fis­cal­ité des revenus de droits d’auteur soit pleine­ment effec­tive. Mais à ce jour, aucune déci­sion n’a été prise dans ce sens. »

Quand je fais remar­quer cela à l’inspecteur social, il me dit que je suis con­damné quand même car dans ce deux­ième arti­cle les verbes sont con­jugués au con­di­tion­nel et le poli­tique n’a pas encore pris de déci­sion et que, par con­séquent, c’est l’administration qui décide. C’est sur­réal­iste, non ?!

Peut-on y voir la résur­gence d’une his­toire du théâtre mar­quée par son inca­pac­ité à penser l’altérité, comme le mon­trent les spec­ta­cles exo­tiques, freaks shows ou slide shows, dont Sarah Baart­man la « vénus hot­ten­tote » ou « vénus noire », le clown Choco­lat et la danseuse Joséphine Backer ne sont que les fig­ures sail­lantes ? Com­ment vous situez-vous par rap­port a ces artistes pio­nniers can­ton­nés dans des rôles racisés, voire com­plète­ment essen­tial­istes ?

Sur cette ques­tion, je vais devoir être un peu plus long car elle est com­plexe et touche à l’essence même de la prob­lé­ma­tique que soulève cette enquête.
Quand un met­teur en scène ou un réal­isa­teur blanc et un artiste noir se ren­con­trent pour la pre­mière fois, ils ont déjà une his­toire com­mune inscrite dans leur mémoire col­lec­tive et cette his­toire qu’ils le veuil­lent ou non, va influer sur leur per­cep­tion de l’autre. Quand mon ex-femme me dit :« je ne me rend même plus compte que tu es noir », ce qu’elle veut exprimer c’est que, après avoir tra­ver­sé ses pro­pres préjugés et ceux de son entourage à pro­pos de mes orig­ines, elle peut aujourd’hui se faire une idée de l’être humain qui est der­rière ce voca­ble de « Noir ». Et qu’elle n’en a plus peur, quelque part, elle peut assumer son choix.

La colo­nial­itécomme dis­ent les chercheurs en soci­olo­gie, philosophie…est l’impact de la coloni­sa­tion sur nos men­tal­ités et cela nous con­cerne tous, Blancs et Noirs. Il y a un an, je me présente pour un cast­ing à Paris, je sonne à l’adresse indiquée, une jeune femme noire vient m’ouvrir et m’accueillir chaleureuse­ment, je regarde au-dessus de son épaule au fond du bâti­ment et elle me dit : « vous cherchez la direc­trice de cast­ing ? », je dis « oui » et elle me répond : « Eh ! Bien c’est moi… »…

Elle a vu mon trou­ble, je me suis con­fon­du en excus­es, mais elle m’a ras­surée me dis­ant qu’elle en avait l’habitude. Lorsque nous avons pris ren­dez-vous, rien dans son nom ni dans son accent ne trahis­sait ses orig­ines, je m’attendais à voir une Blanche. Ce qui est intéres­sant, ce que je n’ai finale­ment pas passé le cast­ing, mais nous avons par­lé de notre pro­pre con­di­tion­nement men­tal et cul­turel.
Donc, quand ce met­teur en scène blanc et cet artiste noir se ren­con­trent pour la pre­mière fois, ils ne sont pas vierges et ont déjà une opin­ion non pas sur la per­son­ne qui se tient devant eux, mais sur la com­mu­nauté dont cette per­son­ne fait par­tie.

Ils sont face à face, deux iden­tités ; mais l’identité n’est pas sta­ble mais rela­tion­nelle. Le Blanc doit se méfi­er de son eth­no­cen­trisme et le Noir de sa propen­sion à faire ce que l’autre attend de lui.
Com­ment je me situe par rap­port à ces artistes pio­nniers can­ton­nés dans les rôles racisés ?
Si le rôle pro­posé per­met de faire avancer la lutte con­tre les per­sis­tances et accélér­er la décon­struc­tion des stéréo­types, alors il faut le faire. S’il n’y a pas d’espace, même restreint, pour cette cause, mais qu’au con­traire cela ren­force les préjugés, alors il ne faut pas accepter le rôle. Si le pro­pos de la pièce, même anec­do­tique, per­met de démon­ter les mécan­ismes qui mènent aux préjugés, alors il faut le faire.

Ces artistes racisés ont joué un rôle impor­tant pour la jeunesse, ils ont été les héros des enfants. Grâce à eux, les enfants issus de la diver­sité peu­vent pren­dre con­science qu’ils peu­vent eux aus­si accéder au ciné­ma, à la télé et au théâtre. Cela leur est acces­si­ble. Il n’y a pas de fatal­ité, s’ils y tra­vail­lent, ils peu­vent y arriv­er. Le héros donne à l’enfant la force et la grandeur qu’il n’a pas. Quand un jeune me dit : on ne donne jamais qu’aux « gros » (sous-enten­du, aux rich­es), je réponds tou­jours : est-ce que toi aus­si tu peux devenir gros ou pas ? C’est la seule ques­tion à laque­lle tu devras trou­ver une réponse… »

Pour para­phras­er l’écrivain Samy Tchak, on pour­rait refor­muler la sit­u­a­tion des artistes issus de la diver­sité cul­turelle de cette manière : Quelle est notre « sur­face de récep­tion », c’est à dire com­bi­en de pub­lic touche t- on quan­ti­ta­tive­ment, et quelle est la den­sité de récep­tion, c’est à dire l’impact qual­i­tatif qui con­tribuerait à faire avancer la cause de la décon­struc­tion des stéréo­types ?

Com­ment sor­tir d’un sys­tème de dis­tri­b­u­tion où les comé­di­ens issus de l’immigration sont le plus sou­vent relégués à des rôles sub­al­ternes, ou pires, à des rôle les les con­duisant à sur jouer les stéréo­types eth­niques ou raci­aux imposés par la société, y com­pris quand on s’appelle Omar Sy ?

Des per­son­nal­ités comme Omar Sy ou Jamel Deb­bouze ont con­sid­érable­ment con­tribué à aug­menter notre « sur­face de récep­tion », comme ce fut le cas aux USA avec le Har­ry Bela­fonte ou Syd­ney Poiti­er au milieu du XX^e siè­cle. Pour Omar et Jamel, la den­sité de leur action est faible à force de jouer des rôles racisés.

Je pense aus­si qu’ils sont vic­times de ce que l’on peut appeller le syn­drôme du culte de per­son­nal­ité, qui est à mon sens une des pris­ons du théâtre français.

Quand un acteur com­mence à être con­nu, il ne joue plus des per­son­nages, il devient un per­son­nage qu’il décline dans tous les rôles qui lui sont demandés. Son savoir faire est instru­men­tal­isé par les maisons des pro­duc­tions pour une ques­tion de rentabilté au box-office.

Mais je pense par ailleurs qu’il ne faut pas tout leur met­tre sur le dos, ils ouvrent des portes, il y a une nou­velle généra­tion qui arrive et qui sem­ble s’atteler à aug­menter la den­sité de la récep­tion. Je pense notam­ment à Marc Zin­ga, Aïs­sa Maï­ga, Babeti­da Sad­jo…

Quel que soit le rôle don­né à l’acteur, l’acteur doit le ren­dre intéres­sant. Si imiter un accent est sig­nifi­ant pour l’histoire, il faut le faire, sinon il faut refuser et inven­ter autre chose. Tou­jours dis­cuter de la dra­maturgie avec le met­teur en scène.

Et quit­ter cette sphère qui voit le Noir comme un « corps physique ». C’est sans doute là notre prison et notre piège.

Je ne peux pas chang­er ce que l’Autre pense, mais je peux me chang­er moi, pour ne pas don­ner à l’Autre ce qu’il attend de moi. Pour para­phras­er Kof­fi Kwahulé : Si le corps de l’esclave appar­tient au maître, les pen­sées de l’esclave appar­ti­en­nent tou­jours à l’esclave.

Je pense donc que même quand on nous donne des rôles stéréo­typés, il faut se bat­tre pour les endoss­er de manière intéres­sante et sin­gulière. C’est la pre­mière forme de résis­tance. Je sers le rôle nar­ratif que tu attends de moi, mais ma sphère vibra­toire au niveau de la pen­sée n’est pas là où on pour­rait l’attendre. Tout le monde ne percevra pas cette nuance, mais si un pour­cent­age min­ime des spec­ta­teurs la perçoit, c’est le début d’un change­ment ; lente­ment mais sûre­ment…

Dans un pre­mier temps, j’étais adepte de faire comme aux USA où la minorité noire a mis en place ses pro­pres struc­tures. Mais aujourd’hui je pense qu’ici en Europe, cela ne fera que créer des nou­veaux ghet­tos.

Les Afro-améri­cains n’ont pas l’équivalent de notre dias­po­ra, ce qui leur per­met d’être plus unis que nous, leur his­toire com­mune est l’esclavage, ils n’ont pas d’autres choix que de se bat­tre pour recon­stru­ire une com­mu­nauté. Mais ici, les iden­tités sont mul­ti­ples, les « Afriques » divers­es, d’où la dif­fi­culté d’une union. Mais il suf­fit de quelques-uns qui s’acharnent pour tir­er la machine.

Il y a d’ailleurs une étude économique très intéres­sante qui a étudié la cir­cu­la­tion de l’argent aux USA dans les com­mu­nautés juives, his­paniques, noires et arabes.

L’étude a démon­tré que chaque dol­lar investi dans la com­mu­nauté par un mem­bre, rebondis­sait un cer­tain nom­bre de fois avant de sor­tir de la com­mu­nauté. Un Arabe, par exem­ple, allait chez un coif­feur arabe, achetait de la nour­ri­t­ure chez un Arabe, buvait son thé dans un café arabe…Quand on comp­tait le nom­bre de rebonds que ce dol­lar fai­sait avant de sor­tir de la com­mu­nauté, la com­mu­nauté juive était en tête avec 18 rebonds, la com­mu­nauté arabe 12, les His­paniques 9 et les Noirs à peine 2.

Cela mon­tre peut-être le manque de con­fi­ance qu’ont les Noirs en leur com­mu­nauté. Je me suis demandé à l’époque com­ment faire pour amélior­er le nom­bre de rebonds de la com­mu­nauté noire… Aujourd’hui, je con­sid­ère que le peu de rebonds est une chance et une richesse. Car ce que les Africains et les artistes de la diver­sité peu­vent apporter au monde c’est de penser au-delà des com­mu­nautés. C’est cela le monde de demain.

L’Afrique est la seule région au monde qui ne se pré­cip­ite pas pour impos­er ses pro­pres préjugés aux autres.

Le théâtre souf­fre-t-il d’une forme d’inconscient cul­turel colo­nial et si tel est selon vous le cas, com­ment le com­bat­tre ?

Sor­tir de ce sys­tème demande aux uns et aux autres de pren­dre con­science de l’impact de la « colo­nial­ité » sur nos men­tal­ités.

L’ethnocentrisme chez l’Européen agit par­fois à des endroits inat­ten­dus. Il y a une dizaine d’années, un émi­nent anthro­po­logue a fait une longue étude de ter­rain dans ma région du Kasaï en RDC. Ses con­clu­sions étaient effarantes : le peu­ple Luba n’a pas le sens de la per­spec­tive lorsqu’il des­sine. Sur le ter­rain, il mon­trait le dessin de deux éléphants adultes marchant à la file indi­enne, celui au fond du paysage était plus petit que celui qui était proche du regard de l’observateur. Sys­té­ma­tique­ment, toutes les per­son­nes inter­rogées dis­aient que cela représen­tait un éléphant et son petit. Ensuite, il demandait aux par­tic­i­pants de dessin­er deux éléphants adultes marchant l’un der­rière l’autre. Tous les par­tic­i­pants ont dess­iné des éléphants de la même taille.

On peut se deman­der l’intérêt et la per­ti­nence de ce genre d’études, tou­jours est-il que l’anthropologue est arrivé à la con­clu­sion que les Luba du Kasaï n’avait pas le sens de la per­spec­tive. D’autres émi­nents anthro­po­logues ont tout de même fait remar­quer à leur col­lègue que la per­spec­tive était une con­ven­tion cul­turelle, elle n’est pas naturelle. C’est par­fois cela que l’on reproche aux Blancs, cette façon de regarder et de juger le monde de leur point de vue. Pour sor­tir de ce sys­tème, il y a un tra­vail de « décolo­nial­ité » à faire au niveau indi­vidu­el.

Au niveau col­lec­tif, don­ner un espace aux artistes de la diver­sité pour s’exprimer et échang­er. Je ne crois pas aux ghet­tos, mais à un vrai espace d’échange, à la recherche des modal­ités pra­tiques de l’universalité avec tous.

Com­ment élargir le recrute­ment des lieux de for­ma­tion aux métiers de la scène et du plateau, sans pour autant tomber dans les tra­vers et effets per­vers d’une poli­tique volon­tariste ?

Je pense qu’il faut créer un espace où dif­férentes tech­niques de jeu peu­vent exis­ter, s’échanger et s’enrichir les uns et les autres. Mais ces échanges doivent avoir comme objec­tif de créer un spec­ta­cle. Une sorte de d’art appliqué.

Quels sont, selon vous, les leviers par lesquels est sus­cep­ti­ble de s’opérer lapro­mo­tion d’artistes issus de cul­tures minorées ?

Ouvrir les grandes scènes nationales aux auteurs issus de la diver­sité. Don­ner l’occasion aux met­teurs en scènes issus de la diver­sité de mon­ter aus­si bien des pièces de réper­toires que des pièces con­tem­po­raines.

La « dis­crim­i­na­tion pos­i­tive » importée du monde anglo-améri­cain est-elle une solu­tion effi­cace et légitime ?

Je ne pense pas que la dis­crim­i­na­tion pos­i­tive importée du monde anglo-améri­cain soit idéale. Comme je l’ai écrit plus haut, ce ne sont pas les mêmes his­toires, ni les mêmes dias­po­ras. On voit vite les lim­ites de ce sys­tème, quelle que soit la série télévisée, on sait qu’il y aura un Noir, un Jaune, un His­panique… Est-ce que cela règle le prob­lème de la diver­sité cul­turelle dans la rue ? Non, cela donne juste une bonne con­science d’être poli­tique­ment cor­rect. Cela con­tribue à garder les per­son­nes dans leur com­mu­nauté. Or, c’est une expéri­ence mul­ti­cul­turelle, c’est l’expérience inter­cul­turelle qu’il faudrait vis­er. Une loi ne suf­fi­ra pas pour que les choses changent, il faut com­bin­er démarche indi­vidu­elle et col­lec­tive. C’est plus lent, mais les change­ments seront plus durables.

Le risque n’est-il pas grand d’alimenter une nou­velle forme de stig­ma­ti­sa­tion inver­sée ou de frag­ilis­er cer­taines propo­si­tions artis­tiques en leur don­nant un excès de vis­i­bil­ité ?

Toutes les expéri­ences sont bonnes à ten­ter. Les choses sont telle­ment déséquili­brées, qu’aller dans les extrêmes nous per­me­t­trait au moins de vivre autre chose quitte à rééquili­br­er ensuite.

Com­ment élargir cette exi­gence de diver­sité aux équipes tech­niques et admin­is­tra­tives des théâtres, et à plus forte rai­son à la com­po­si­tion des salles de spec­ta­cle ?

En don­nant des for­ma­tions tech­niques aux per­son­nes issues de la diver­sité cul­turelle. Mais j’insiste sur la notion de for­ma­tion appliquée. Il faut dans une même ses­sion appren­dre les tech­niques et les appli­quer. Beau­coup de for­ma­tions se lim­i­tent à l’apprentissage des tech­niques. C’est comme d’apprendre une langue pen­dant quelques mois, si on n’a pas l’occasion de l’appliquer, on l’oublie vite.

Assiste-t-on à une crise de la représen­ta­tion sur les scènes européennes, du fait de la faible représen­ta­tion d’artistes issus de l’immigration au sein de l’espace pub­lic et médi­a­tique ? Quelle est la respon­s­abil­ité de l’artiste dans une telle con­fig­u­ra­tion ?

Les men­tal­ités bougent lente­ment et la tech­nolo­gie beau­coup trop vite. Comme dis­ait un soci­o­logue, nous sommes tech­nologique­ment tri­om­phant et cul­turelle­ment défail­lant.

La demande d’intelligence col­lec­tive, n’a jamais été aus­si grande dans le monde. Les artistes de la diver­sité ont à jamais un rôle à jouer, pour autant qu’on leur laisse une Vraie place.

En ce début du XXI^e siè­cle, alors que nous entrons dans l’ère du réchauf­fe­ment cli­ma­tique, de l’épuisement des sols par l’exploitation out­ran­cière des multi­na­tionales, il est dif­fi­cile de nier que l’Amérique reste – qu’on le veuille ou non – la référence mon­di­ale de la civil­i­sa­tion humaine urbaine. Depuis l’arrivée du peu­ple noir en Occi­dent, il y a 440 années, c’est l’Amérique qui a été la pre­mière nation à enfan­ter du tout pre­mier prési­dent noir d’occident, élu au suf­frage uni­versel en la per­son­ne de Barack Oba­ma.

En Afrique, depuis plus d’une décen­nie, la Chine a sup­plan­té l’Occident dans le com­merce et la coopéra­tion au développe­ment. Pour­tant, c’est en dol­lars que se font les trans­ac­tions du com­merce mon­di­al, et ce, bien que les Chi­nois et les Japon­ais déti­en­nent le quart de la dette améri­caine.

Enfin, qu’on l’aime ou pas, le ciné­ma améri­cain domine le paysage des box-offices en matière de fréquen­ta­tion et c’est encore la musique améri­caine qui reste dom­i­nante dans le monde.

Mais com­ment font-ils ? Une de mes hypothès­es, est que l’Amérique est la seule nation au monde qui a basé son développe­ment sur la diver­sité des peu­ples… Sans être un ado­ra­teur de l’Amérique, je dois bien recon­naître que la diver­sité est une com­posante de leur force. Cela ne veut pas dire que c’est sim­ple et facile à vivre tous les jours, mais c’est tout de même ce bras­sage entre les Irlandais, les Ger­mains, les Anglais, les Ital­iens, les Noirs, les His­paniques, les Asi­a­tiques, les Indi­ens… qui a fait et qui fait encore la force des USA. C’est ce bras­sage qui a con­duit au rêveaméri­cain…

L’autre trait de sa force, c’est d’avoir con­sid­éré la cul­ture comme un moteur de développe­ment économique et d’épanouissement du peu­ple. C’est prob­a­ble­ment la car­ac­téris­tique la plus mar­quante qui com­pose leur ADN.

Dans les années sep­tante, alors ado­les­cent en Afrique, j’ai enten­du par­ler de l’Amérique par James Brown et la danse jerk, les films de west­ern. Peu après, j’ai décou­vert le coca-cola et je me suis réveil­lé un matin avec des Nike aux pieds et un jean Levis moulé aux fess­es.

L’Europe doit accepter qu’elle est une société mul­ti­cul­turelle et tout le reste suiv­ra…

Propos recueillis par Laurence Van Goethem.

1. Denis Mpun­ga joue dans Le Petit Peu­ple de la Brume du Théâtre du Papyrus, actuelle­ment en tournée au Théâtre Les Bam­bous à l’Île de la Réu­nion. Ce spec­ta­cle sert de point de départ à un vaste pro­jet de coopéra­tion cul­turelle dans la Région des Grands Lacs avec des artistes venus du Con­go (RDC), Burun­di et Rwan­da, en parte­nar­i­at avec Ishyo Arts Cen­tre de Kigali dirigé par Car­ole Kare­mera. ↩︎