DAVID BERNADAS : En tant qu’artiste, com­ment définis­sez-vous la notion de risque ?

Chris­t­ian Riz­zo : Il y a cette phrase que j’attribue, peut-être à tort, à Claes Old­en­burg lors d’un entre­tien avec Isamu Nogushi : « un seul risque me préoc­cupe, celui de ne pas être com­pris. » L’enjeu du risque est éminem­ment per­son­nel : en met­tant en forme une vision, l’artiste prend le risque d’être con­fron­té à une incom­préhen­sion totale, d’être mis face à ses pro­pres mal­adress­es.

D. B.: Le risque est-il présent dans votre recherche ?

C. R.: Parce que je choi­sis de servir mon pro­pos plutôt que d’énoncer une propo­si­tion for­matée, je prends le risque d’être en con­tra­dic­tion avec des critères d’appréciation qui pour­raient con­stituer une norme. Pren­dre un risque, c’est aus­si cer­taine­ment accepter que quelque chose m’échappe puisque chaque spec­ta­teur, lorsqu’il pénètre dans une salle de théâtre, attaque les enjeux de la représen­ta­tion avec sa pro­pre sin­gu­lar­ité.

D. B.: Les pro­jets présen­tés aujourd’hui sur les scènes européennes vous sem­blent-ils for­matés ?

C. R.: Ceux qui affir­ment leur sin­gu­lar­ité exis­tent mais ils sont peut-être encore trop rares… Le fait de dévelop­per des pro­jets basés sur des grilles de lec­ture nor­mal­isées, cor­re­spon­dant à une époque et à un ter­ri­toire, représente pour moi le dan­ger d’ériger un « académisme » dans les arts con­tem­po­rains. Je crains aus­si que des pro­jets extra-européens ou non-occi­den­taux emboî­tent le pas à ces critères, sim­ple­ment pour répon­dre à des besoins de dif­fu­sion.

D. B.: Com­ment inté­gr­er le risque à votre pra­tique ?

C. R.: Il s’agit de met­tre en péril mon regard sur mon pro­pre tra­vail. Cela peut pass­er par une série de ques­tions : com­ment observ­er ? Com­ment partager les enjeux du tra­vail avec de nou­veaux col­lab­o­ra­teurs ? Com­ment m’attaquer à une forme que j’ai moi-même du mal à définir ?

D. B.: Dans cette démarche, de quoi ou de qui vous libérez-vous ?

C. R.: Cela me per­met d’être beau­coup plus com­plexe qu’une sim­ple image et de ne pas pro­duire ma pro­pre norme. C’est aus­si une aven­ture col­lec­tive qui me per­met de me libér­er d’une mar­que de fab­rique. Il s’agit d’être ensem­ble pour accéder au vivant, pour entr­er en fric­tion avec le pub­lic. Je préfère ris­quer le mépris plutôt que d’être con­fron­té à l’indifférence et s’il faut pass­er par le con­flit, je suis prêt à l’accepter. L’objet à réalis­er est à chaque fois vivant et réac­tivé : le risque existe à la fois sur le plateau et dans la salle, pen­dant la représen­ta­tion, et surtout après…

D. B.: À pro­pos du con­flit, quelle est votre posi­tion vis-à-vis de l’institution qui vous finance ?

C. R.: Je pense qu’on gagne à con­sid­ér­er que l’institution nous est extérieure mais qu’il s’agit bel et bien d’une entité dans laque­lle nous sommes inclus. Nous tra­vail­lons donc ensem­ble, à côté d’autres artistes, à l’intérieur de ce sys­tème com­plexe.

D. B.: Le risque est-il inscrit d’emblée dans l’élaboration, et donc dans la pro­duc­tion d’un spec­ta­cle ?

C. R.: Dans chaque pro­duc­tion, il y a par essence un enjeu financier qui est notam­ment réper­cuté sur le temps de tra­vail. Des ques­tions budgé­taires m’ont tou­jours con­duit à recon­sid­ér­er un pro­jet, à faire des choix. La notion de risque est donc aus­si liée à chaque pro­jet : de l’un à l’autre, je veux rester au plus près du désir qui l’a fait naître et lui don­ner une forme sans me laiss­er inter­fér­er par ce qui est déjà en place.

D. B.: Est-ce que le désir dont vous par­lez est à rap­procher d’une pul­sion ?

C. R.: Non, je par­le d’une sen­sa­tion qui a besoin d’un objet formel pour se com­pren­dre. Le proces­sus de fab­ri­ca­tion me met face à un manque : pren­dre un risque, c’est essay­er d’être au plus proche de mon désir, de la représen­ta­tion que je me fais moi-même de ce manque.

D. B.: Par la prise de risque, que pensez-vous bris­er, que pensez-vous attein­dre ?

C. R.: Je cherche à réin­ven­ter con­stam­ment : que rien ne soit fixe, que tout soit en mou­ve­ment… Je par­le d’une capac­ité à réin­ven­ter le monde : le monde n’est pas, il est à inven­ter au quo­ti­di­en pour pou­voir le com­pren­dre ! Il s’agit donc de bris­er les habi­tudes de regard qui sont faites sans choix. « Pren­dre des risques », « être en révolte»… J’intègre ces deux notions en esti­mant que le monde n’est pas et qu’il doit s’inventer.

D. B.: Le renou­velle­ment de la forme doit-il pass­er par la prise de risque ?

C. R.: Le risque fait pour moi par­tie de la donne. J’ai tou­jours cette image du funam­bule pour qui le déséquili­bre et la chute font par­tie inté­grante du tra­vail, au quo­ti­di­en : les formes mis­es en jeu dans un théâtre ne doivent pas s’inscrire, nous devons les amen­er à se renou­vel­er.

D. B.: Quelle dif­férence faites-vous entre risque et provo­ca­tion ?

C. R.: Il y a une attente de résul­tat dans la provo­ca­tion, alors que la prise de risque cor­re­spond à quelque chose de plus mou­vant, qui n’est pas adressé. Le risque n’est pas tou­jours vis­i­ble, il peut se lire en sous-texte, notam­ment dans la forme et surtout lorsqu’il cor­re­spond à quelque chose d’intime.

D. B. : Quelle place occupe selon vous Artaud par rap­port à cette prob­lé­ma­tique du risque ?

C. R. : Artaud, c’est une vie d’artiste poussée à son parox­ysme. Mis à l’écart, affamé, empêché dans son tra­vail. C’est la ver­sion extrême de l’artiste qui assume, ou pas – je ne sais pas à quel point il a été capa­ble d’interroger sa pra­tique d’artiste –, le risque d’être totale­ment déplacé. Il a sans doute accep­té d’être incom­pris pour con­tin­uer à réin­ven­ter le monde…