On pour­rait presque ne pas voir ce théâtre stras­bour­geois telle­ment sa façade est sobre et dis­crète. Ce sont les enfants finale­ment qui m’ont indiqué le chemin. Un dimanche du mois d’avril, pour la deux­ième ses­sion d’un temps fort de la sai­son 2024 – 25, s’est déroulé Généra­tion Seishun — Col­lec­tif en scène #2. Direc­trice du TJP depuis 2023, Kaori Ito et son équipe ont mis en place des col­lec­tifs intergénéra­tionnels, com­posés d’enfants et d’artistes qui col­la­borent ensem­ble sur un pro­jet théâ­tral, notam­ment sur la créa­tion d’un réc­it de jeunesse (écri­t­ure d’un texte théâ­tral et sa réal­i­sa­tion scénique) et un thème spé­ci­fique, cette année étant celui de l’utopie. Durant deux week-ends print­aniers, des enfants et ado­les­cents présen­tent le résul­tat d’une année de ren­con­tres et de répéti­tions. Je me sou­viens bien du Col­lec­tif en mots # 1, sorte de café-phi­lo bimen­su­el pour enfants de 6 à 8 ans. Sur le plateau étaient dis­posées des chais­es, une pour cha­cun d’entre eux. Et puis le retrait d’une chaise, puis de deux et ain­si de suite, jusqu’à ce qu’ils se retrou­vent tous ensem­ble, soudés, grim­pant les uns sur les autres, ten­tant de s’asseoir et s’unir sur une seule chaise. Un jeu d’enfants bien sûr. Et une pen­sée déjà sur le col­lec­tif, ce vivre-ensem­ble le temps d’un spec­ta­cle. 

Portrait de Kaori Ito

Au Japon, je n’avais pas la lib­erté de vivre de mon art

 J’ai gran­di au Japon, dans une famille atyp­ique de sculp­teurs, un peu en marge de la société. J’ai com­mencé la danse clas­sique à l’âge de cinq ans. Très vite, j’ai eu la sen­sa­tion que le lan­gage de la danse était le mien, que son univers, qui m’inspire encore si forte­ment, était à ma portée. 

Dans mon pays, il n’y a aucune val­ori­sa­tion des très jeunes artistes, il n’y a aucun con­ser­va­toire. Encour­agée par mes par­ents, je pars pour un court séjour en Angleterre à l’âge de seize ans. Un an plus tard, en 2000, je me rends à New York, dans un cadre uni­ver­si­taire. Quand je ren­tre au Japon, j’entame des études supérieures et obtiens un diplôme en soci­olo­gie et sci­ences de l’éducation en 2003. Mon pre­mier emploi est celui d’éducatrice (par le mou­ve­ment) d’enfants en sit­u­a­tion de hand­i­cap. Enseign­er à ces enfants dés­co­lar­isés, les ren­con­tr­er dans leur vul­néra­bil­ité, me touchait et m’interrogeait sur la dimen­sion utile de mon art. 

Je suis une danseuse.  Et je n’avais pas la lib­erté de vivre de mon art au Japon. Ce manque de lib­erté artis­tique me déplace à nou­veau. En 2003, je quitte le Japon pour les États-Unis, où j’intègre l’Alvin Ailey Amer­i­can Dance Teater. Je me rends ensuite en Europe en tant qu’interprète. J’ai voulu un par­cours diver­si­fié, je n’ai jamais tra­vail­lé deux fois avec le même choré­graphe : Alain Pla­tel et Sidi Lar­bi Cherkaoui en Bel­gique, Philippe Decou­flé, James Thier­rée, et Angelin Preljo­caj en France. La plu­part des choré­graphes et met­teurs en scène avec qui j’ai col­laboré étaient des hommes, avec une men­tal­ité qui me libérait et me val­ori­sait à la fois. Pour eux, j’étais une danseuse (Alain Pla­tel, par exem­ple, nous demandait d’explorer l’animal en nous), et non une Japon­aise dotée de tous les clichés liés à notre cul­ture.  

La créa­tion de ma com­pag­nie 

J’avais dan­sé dans de grandes salles de spec­ta­cle, et j’aspirais à autre chose. En 2015, j’ai fondé ma com­pag­nie, Himé. Je voulais créer une trilo­gie autour de l’intimité et mon pre­mier tra­vail a été d’interroger mon père – qu’est-ce que c’est la vie pour toi ?  As-tu déjà trompé ma mère ? Pourquoi ne m’as-tu pas dit que tu avais un enfant autre que nous ? Pourquoi je n’apprends cela qu’à l’âge de trente ans ? J’avais des mil­liers de ques­tions à lui pos­er, dont cer­taines très intimes ! C’étaient des ques­tions dont le spec­tre allait de la colère à la philoso­phie. Mon père m’a don­né toutes les répons­es, ce qui m’a beau­coup émue. Mais les mots ne me suff­i­saient pas. Ce que je voulais, c’était qu’il soit en scène et danse avec moi. Mon père ne savait pas danser, mais il a eu la générosité d’accepter ma propo­si­tion. À l’âge de soix­ante-sept ans, il s’est mis à la marche et s’est ren­du au club de gym, chose qu’il n’avait pas faite aupar­a­vant. 

Notre duo de danse, Je danse parce que je me méfie des mots, est crééen 2015. Il a beau­coup tourné, à l’étranger notam­ment, Mar­tinique, Japon, Bul­gar­ie. C’était une joie de me con­necter à mon père en tant qu’artiste et non seule­ment dans une rela­tion père-fille. Embrase-moi (2017) est un duo dan­sé par mon com­pagnon et moi-même. Il est ques­tion de nos ren­con­tres sen­ti­men­tales et sex­uelles. Le dernier volet de ma trilo­gie, Robot ou l’Amour éter­nel (2018), évoque une vie en mou­ve­ment per­pétuel, et le sen­ti­ment de soli­tude qui, à la suite de l’accouchement de mon fils, s’est trans­for­mé en peur de la perte. 

Après cette intro­spec­tion de l’intimité, j’ai eu envie de partager mes recherch­es sur l’intime et la notion de perte avec d’autres per­son­nes. Dans Chers (2020), il est ques­tion d’un dia­logue avec nos morts. C’était durant la péri­ode du Covid. En col­lab­o­ra­tion avec Waj­di Mouawad, j’ai instal­lé une sorte de cab­ine télé­phonique au Théâtre nation­al de la Colline : La Parole nochère. Les gens pou­vaient décrocher le com­biné, échang­er avec un artiste au bout du fil, et délivr­er un mes­sage télé­phonique à leurs proches décédés. Nous avons ain­si recueil­li plus de deux cents témoignages. Et le réc­it de Chers s’est con­stru­it autour de ces mes­sages et des let­tres des inter­prètes dédiés aux défunts. 

La créa­tion jeune pub­lic

En devenant mère, j’ai eu le désir de tra­vailler avec des enfants, car leurs paroles m’inspiraient. Un ate­lier de théâtre a été mis en place dans une école mater­nelle. « Quel est votre secret ? » ai-je demandé aux enfants (ici, le secret étant perçu comme un super-pou­voir qui pou­vait chang­er le monde). Le secret est-il lourd, léger ? Joyeux, pas joyeux ? Ten­du, pas ten­du ? Quelle couleur a‑t-il ? Les répons­es étaient fasci­nantes : « mon secret, ça brûle, aïe, aïe ! Mon secret, c’est Adam et Ève, c’est partout dans mon corps, sauf les pieds, et dans ma tête. Mon secret, c’est mon père et c’est inter­dit ». Ce dernier secret venait d’un enfant qui sen­tait très fort la cig­a­rette et avait du mal à se con­cen­tr­er. Je pense qu’il y avait un prob­lème d’abus sex­uel dans sa famille. Nous ressen­tions à la fois sa fragilité et des signes révéla­teurs. 

À la suite de mes échanges via un com­biné de télé­phone à cad­ran avec les enfants, mes col­lab­o­ra­teurs et moi-même nous sommes ren­du compte qu’un quart de la classe expri­mait une vio­lence impor­tante à son égard. Il y avait des allu­sions sur les abus aus­si et on se demandait com­ment tra­vailler là-dessus. Je me suis vrai­ment ques­tion­née sur les droits de l’enfant. Com­ment pro­téger, voire défendre, des êtres aus­si frag­iles ? Sur un plan édu­catif d’une part, mais encore com­ment le théâtre pou­vait pren­dre cette pro­tec­tion à bras-le-corps ? J’ai alors eu envie d’avoir un lieu où les enfants auraient les mêmes droits que les artistes asso­ciés.

Le TJP à Stras­bourg et un pro­jet de répa­ra­tion

C’est à ce moment-là que j’ai pos­tulé au TJP-Cen­tre dra­ma­tique nation­al (CDN) de Stras­bourg Grand Est. Je suis une artiste pluridis­ci­plinaire, je touche à tout, je pou­vais tout autant pos­tuler pour un CCN (Cen­tre choré­graphique nation­al) que pour un CDN. 

Le TJP est un endroit sin­guli­er, avec une his­toire atyp­ique – dans ce théâtre, ce sont les enfants qui vien­nent avec leurs par­ents pour décou­vrir le théâtre.  

Mon pro­jet était un pro­jet de répa­ra­tion. Après l’écoute d’enfants, dont cer­tains très meur­tris, je songeais à une répa­ra­tion de l’enfance blessée. Je pen­sais égale­ment à l’art japon­ais du Kintsu­gi, à savoir la répa­ra­tion des objets en céramique brisés avec de la poudre d’or.  

Dans mon pro­jet du TJP, je voulais absol­u­ment un échange entre les artistes, les enfants et les habi­tants. Nous ne pou­vions pas tra­vailler seule­ment pour une élite. Il y a des enfants qui n’ont jamais été au spec­ta­cle. Dans ce théâtre, je voulais offrir aux enfants et à la jeunesse un axe – et c’était le cœur de mon pro­jet – qui mette en avant leurs préoc­cu­pa­tions. 

Mais cet axe était aus­si intergénéra­tionnel, car nous sommes tous liés à l’enfance. D’ailleurs, en tant qu’artiste, je recherche l’incarnation de l’enfant en moi, et à tra­vers la danse, c’est mon lien avec la jeunesse et l’enfance que je préserve. De la même façon, à par­tir de cet axe cen­tré sur l’enfant et la jeunesse, je voulais que les adultes se recon­nectent à l’enfant en eux.

Les col­lec­tifs d’enfants et Généra­tion Seishun