Puissances du populaire

Karel Van­hae­se­brouck, l’expression « arts mineurs », util­isée en français pour désign­er les formes que nous étu­dions dans ce numéro, est prob­lé­ma­tique. Vous êtes néer­lan­do­phone, quel mot utilise-t-on en néer­landais ? 

Cette expres­sion d’« arts mineurs » est vrai­ment très prob­lé­ma­tique et il est intéres­sant de l’examiner de près, car elle va droit au cœur des diver­gences entre Flan­dre et monde fran­coph­o­ne autour de ces formes et de leur ancrage dans la société. En néer­landais, il n’y a pas vrai­ment de tra­duc­tion de la notion d’« arts mineurs » ; on va par­ler de « pop­u­laire cul­tu­ur » mais ces mots recou­vrent un ter­ri­toire beau­coup plus large, celui de la cul­ture pop­u­laire. En fait, pour par­ler du cirque, de la mar­i­on­nette et de la créa­tion dans l’espace pub­lic, on dit tou­jours « podi­umkun­sten », les arts de la scène, comme on le fait pour le théâtre, la danse et l’opéra. La cul­ture française a une con­cep­tion cen­tral­isée et donc plus nor­mée, plus hiérar­chique, de la cul­ture, et c’est de là que vient cette dis­tinc­tion entre majeur et mineur. En Flan­dre, on conçoit les dif­férentes formes d’art scénique comme des lan­gages artis­tiques ouverts et en cir­cu­la­tion con­stante plutôt que des dis­ci­plines figées. En Fédéra­tion Wal­lonie-Brux­elles, comme en France, il y a un cloi­son­nement très fort dans la manière dont les insti­tu­tions conçoivent les dif­férents lan­gages artis­tiques, avec des caté­gories de sub­sides bien dis­tinctes pour le cirque, le con­te, le théâtre-action, etc. Ce cloi­son­nement ren­force une hiérar­chie interne : entre la mar­i­on­nette et le théâtre, ou entre le théâtre pour adultes et le théâtre jeune pub­lic, on va trac­er des car­rières dif­férentes, avec des valeurs sym­bol­iques dif­férentes.

Tous ces cloi­son­nements insti­tu­tion­nels génèrent des sys­tèmes de valeurs hiérar­chiques et donc de la vio­lence sym­bol­ique.

En Flan­dre, il n’y a pas de caté­gorie de sub­sides à part pour les mar­i­on­nettes ou la créa­tion dans l’espace pub­lic. Au lieu de cela, une com­pag­nie va devoir se situer dans une des cinq fonc­tions suiv­antes : créa­tion, recherche, par­tic­i­pa­tion, pro­gram­ma­tion et réflex­ion. En d’autres ter­mes, on se pro­file en fonc­tion de la manière dont on veut con­tribuer à l’écosystème des arts de la scène en général plutôt qu’à une dis­ci­pline par­ti­c­ulière. Une seule excep­tion : le cirque, qui béné­fi­cie d’un décret à part, héritage de l’époque où Bert Anci­aux était min­istre de la cul­ture. En 2008, Anci­aux a voulu don­ner au cirque (et égale­ment à la musique pop­u­laire) un cadre décré­tal spé­ci­fique pour que ces formes puis­sent se sta­bilis­er et se dévelop­per à la fois dans leur dimen­sion pat­ri­mo­ni­ale et de créa­tion artis­tique. Ceci a per­mis à des artistes pas­sion­nants, comme par exem­ple Cir­cus Ronal­do ou Alexan­der Van­tourn­hout, qui tra­vail­lent au croise­ment du cirque, du théâtre et de la danse, de dévelop­per des pra­tiques sin­gulières, mais sans que ce soit aux dépens de circassien·ne·s qui pra­tiquent des formes plus tra­di­tion­nelles. Il y a là un con­traste très fort avec la France, où une hiérar­chie sym­bol­ique entre dif­férentes formes de cirque existe depuis les années 1980, avec le « nou­veau cirque », qui se rap­proche du théâtre (héritage des inno­va­tions à par­tir des années 1980), le cirque « tra­di­tion­nel », et puis ce qu’on appelle le « cirque con­tem­po­rain ». On assiste donc à une nou­velle insti­tu­tion­nal­i­sa­tion de l’avant-garde du cirque en France, avec une hiérar­chi­sa­tion qui pèse très fort sur le secteur, et qui est liée au pou­voir sym­bol­ique impor­tant d’une école comme le Cen­tre nation­al des arts du cirque à Châlons, qui décide à elle seule de ce qui forme le réper­toire (notam­ment par le biais de repris­es de spec­ta­cles iconiques du nou­veau cirque). Indi­recte­ment, une insti­tu­tion décide ain­si de qui est « nou­veau » ou « con­tem­po­rain » et de qui n’est pas dans le ton. Cette volon­té de caté­goris­er pour pou­voir insti­tu­tion­nalis­er est bien moins présente en Bel­gique, parce que notre pays est décen­tral­isé (et pos­si­ble­ment aus­si parce que notre iden­tité cul­turelle est trop caduque, ce qui nous donne une lib­erté joyeuse). Par exem­ple, Alexan­der Van­tourn­hout jon­gle non seule­ment entre plusieurs formes, mais il est aus­si act­if dans les deux com­mu­nautés, fla­mande et fran­coph­o­ne, et son tra­vail dif­fi­cile­ment class­able est un véri­ta­ble casse-tête pour les pro­gram­ma­teurs, notam­ment de lieux français, où l’on souhaite présen­ter chaque spec­ta­cle par des éti­quettes de clas­si­fi­ca­tion claire. On peut not­er que c’est une des par­tic­u­lar­ités du cirque dans le paysage cul­turel belge qu’il per­met beau­coup de mobil­ité entre les com­mu­nautés. On voit aus­si du côté fran­coph­o­ne une volon­té de décloi­son­ner qui passe par le cirque : par exem­ple, les Halles de Schaer­beek organ­isent depuis une ving­taine d’années le fes­ti­val Hors Pistes, aux con­fins du cirque et de la per­for­mance, qui per­met des ren­con­tres entre des publics et des esthé­tiques var­iées. Mal­heureuse­ment, la même chose n’est pas vraie de la mar­i­on­nette, qui est peu présente dans les pro­gram­ma­tions et reste large­ment can­ton­née à ses pro­pres réseaux, mal­gré les efforts de cer­tains lieux de la Fédéra­tion Wal­lonie-Brux­elles. 

Ces dynamiques sont-elles égale­ment présentes dans les écoles ? 

Oui, com­plète­ment. Par exem­ple, du côté fran­coph­o­ne, la mar­i­on­nette fait l’objet d’une for­ma­tion en mas­ter par­ti­c­ulière au Con­ser­va­toire de Mons. C’est bien évidem­ment une très bonne chose qu’il y ait un pro­gramme spé­ci­fique­ment dédié aux arts de la mar­i­on­nette. Mais en même temps, je trou­ve dom­mage qu’il n’y ait pas de place pour cette forme dans les for­ma­tions régulières, ce qui rend d’autant plus dif­fi­ciles des pra­tiques (et donc des pro­gram­ma­tions) trans­ver­sales qui inclu­ent la mar­i­on­nette. En Flan­dre, on opère avec une logique dif­férente : dans les écoles, tout le monde, des comédien·ne·s aux metteur·euse·s en scène en pas­sant par la régie, est vu comme « the­ater­mak­er », faiseur·euse de théâtre. En d’autres ter­mes, on est tou­jours auteur·ice, et la respon­s­abil­ité de la créa­tion est partagée entre les différent·e·s participant·e·s. Ceci ne veut pas dire qu’on tra­vaille néces­saire­ment en col­lec­tif, mais bien que la lim­ite entre qui est un auteur·ice, créateur·ice ou inter­prète est floue : tout le monde est (co)créateur, quelle que soit sa fil­ière. L’éducation passe beau­coup plus par une péd­a­gogie de brico­lage et beau­coup moins par une péd­a­gogie de la maîtrise (du texte, du réper­toire ou du reg­istre comme c’est le cas en FWB ou en France). En Flan­dre, on con­sid­ère que ce qui rend les artistes intéressant·e·s, c’est leur lan­gage sin­guli­er. Il y a moins cette idée de « voilà le sys­tème, et on va vous aider à l’intégrer ».